Мастер абстрактного искусства делится взглядами на современное творчество
Москва стала площадкой для презентации выставки «Энергия цвета», представляющей работы австрийского художника Руди Молачека. Творческий путь мастера начался с фотографии, в 1980-х он сотрудничал с нью-йоркским Interview Magazine. Вернувшись в Европу, Молачек посвятил себя преподаванию искусства фотографии в Венском университете прикладных искусств, параллельно развивая навыки в абстрактной живописи. В интервью художник поделился своим видением абстракции как наиболее актуального направления в искусстве и рассказал, почему цветы стали центральной темой его творчества.
— Расскажите, пожалуйста, о работах, представленных на выставке. Это полотна, созданные в 2010—2020-е годы. Какая идея объединяет картины?
— Мои работы последнего десятилетия объединены в единый цикл, который я стремился представить в экспозиционном пространстве. Моей целью было создание целостного живописного образа, а не просто набора отдельных произведений. Таким образом я хочу подчеркнуть колористические особенности, характер мазков и технику работы кистью, присущие моему творчеству.
— Одна из центральных тем вашего творчества — цветы. Объясните, пожалуйста, почему они так привлекают вас?
— Полагаю, что значительное влияние на меня оказал период жизни в Нью-Йорке и сотрудничество с Энди Уорхолом. Цветок является важным символом как в поп-культуре, так и в культуре в целом. Цветы — универсальный символ красоты, их образы широко представлены в повседневном декоре, их эстетика понятна каждому. Я намеренно выбрал цветы как символ чего-то привычного, не элитарного. И как фотограф, и как художник я стремлюсь к изображению обыденных, знакомых предметов, избегая экзотики и претенциозности.
Моё обращение к теме цветов началось с фотографии: я просто снимал цветы, но постепенно всё больше абстрагировался от их формы. От реалистичного изображения цветка я перешёл к абстрактному образу, стремясь передать не внешний облик предмета, а эмоции и ощущения, которые он вызывает — своего рода «чувство цветка», если можно так выразиться.
— До того как вы стали художником, вы состоялись как успешный фотограф. Что побудило вас взяться за краски и кисть?
— Пик моего успеха в фотографии пришёлся на период жизни в Нью-Йорке. По возвращении в Вену я стал профессором, преподавая искусство фотографии в Венском университете прикладных искусств. Финансовая стабильность позволила мне увлечься коллекционированием искусства, что привело к сближению с художниками. Особенно важную роль в моём становлении как художника сыграл Карел Аппель, участник выдающегося объединения «КОБРА». Его пример вдохновил меня на переход к живописи.
Преподавательская деятельность в сфере фотоискусства позволила мне окружить себя единомышленниками, ставшими моими друзьями. Я часто посещал студии художников, наблюдая за их работой. Однажды мне предложили попробовать себя в живописи, и я, взяв кисть, начал писать на холсте. Так, погрузившись в среду живописцев, я стал художником. Мне посчастливилось учиться у выдающихся мастеров, хотя я никогда не был студентом художественной академии.
Могу объяснить, чем меня привлекла живопись: если фотография всегда требует наличия объекта — будь то портрет, предмет или пейзаж, то живопись позволяет творцу выражать себя напрямую. Живопись открыла для меня новое восприятие жизни, став увлекательным приключением.
— В одном из интервью вы говорили, что вдохновляетесь классическим искусством между Возрождением и рококо. Но при этом ваши произведения далеки от фигуративного искусства, это абстракции. Почему?
— В творчестве старых мастеров меня прежде всего привлекает цвет и колорит. Например, рассматривая работы Тинторетто, я в первую очередь обращаю внимание на колоризм (цветовую пластику картины). Для меня не столь важно, изображена ли на полотне человеческая фигура, архитектурное сооружение или это просто свободные мазки — главное значение я придаю краске и цвету, цветовому «звучанию» произведения.
Фигуративная живопись не исчезла, многие художники продолжают работать в этом стиле. Однако я считаю, что абстракция сегодня более актуальна. Она предоставляет зрителю больше пространства для размышлений, позволяя наблюдателю стать своего рода соавтором произведения.
— Вы были пионером того, что сейчас называют цифровым искусством. Сегодня на пике популярности генеративные нейросети. Что вы думаете об их возможностях?
— Компьютер привлекал меня как инструмент для создания спонтанного рисунка, когда результат не полностью зависит от автора. Я сотрудничал с программистами, разрабатывавшими программы, позволяющие достичь эффекта рукотворности в цифровой технике. Современные компьютеры, на мой взгляд, дают более жёсткий, линейный контур, теряя мягкость и полутона, поэтому сейчас цифровое искусство интересует меня в меньшей степени.
— Вы не только художник, но ещё и известный коллекционер. Есть ли в вашем собрании работы советских и российских авторов, если да, то как много?
— Безусловно. В моей коллекции представлены работы советских нонконформистов, таких как Михаил Рогинский и Владимир Яковлев. Из современного искусства у меня есть произведения Марии Серебряковой, Ольги Чернышевой и других авторов, многие из которых являются моими друзьями.
— Планируете ли вы привезти ещё ваши работы в Россию в обозримой перспективе, проводить новые выставки?
— Несомненно, я с удовольствием приеду ещё. Опыт подготовки выставки в SISTEMA GALLERY оставил у меня самые приятные впечатления от сотрудничества. Я бы хотел повторить этот опыт в будущем.
Источник:russian.rt.com
